El Jamiroquai primigenio: funk, acid jazz y la búsqueda de una identidad propia
Cuando se habla de Jamiroquai, la imagen que suele aparecer primero es la de Jay Kay bailando en el videoclip de Virtual Insanity, con sombreros imposibles y una estética futurista que terminó definiendo buena parte de la segunda mitad de los años noventa. Sin embargo, antes de convertirse en una de las bandas más exitosas del pop-funk contemporáneo, Jamiroquai fue otra cosa: un grupo profundamente ligado a la escena acid jazz británica, con una identidad musical mucho más orgánica, política y experimental.
Antes de meternos de lleno en la banda, hablemos un poco de lo que fue (o es) el movimiento “Acid jazz¨. El término fue acuñado a finales de los 80s para definir el estilo de los DJs que mezclaban discos de hip hop, jazz y funk en las discotecas de Londres. Lo que con el tiempo derivo en bandas que fusionaron estos géneros, podemos nombrar a Brand New heavies, incognito y por supuesto, Jamiroquai en sus inicios.
Esa primera etapa, condensada en sus tres primeros discos —Emergency on Planet Earth (1993), The Return of the Space Cowboy (1994) y Travelling Without Moving (1996)— y en el tridente compositivo integrado por Jay Kay, Toby Smith y Stuart Zender sigue siendo, para muchos fanáticos, el período más creativo e influyente de la banda. Un momento en el que convivían el funk setentista, el soul, el jazz, el hip hop, la psicodelia y una mirada crítica sobre la sociedad contemporánea.
Jay Kay: el rostro visible de una idea
El líder y fundador de lo que hoy nos convoca hoy aquí. Hijo de la presentadora de televisión británica Karen Kay, Jason Luís Cheetham —su verdadero nombre— creció entre el Londres multicultural de los años 70 y una profunda fascinación por el soul, el funk y la música negra estadounidense.
El tipo ya había inventado la banda mucho antes de formarla, diseñó el famoso logo del Buffalo man y creo el nombre a partir de la combinación de las palabras Jam (asi se denomina a las sesiones de improvisación entre músicos, lo que en español se dice “zapar”) e Iroquai, proveniente de la tribu aborigen norteamericana de los Iroquois.
Desde el comienzo entendió a Jamiroquai como algo más que una banda: una plataforma para combinar groove, conciencia social y una estética inconfundible. Su presencia escénica, inspirada tanto en los frontmen clásicos del funk como en la cultura club británica, convirtió al grupo en una experiencia visual además de musical.
Pero detrás de los sombreros extravagantes y el baile hipnótico había también un compositor atento a los problemas ambientales, al consumismo y a la alienación moderna, temas que atraviesan buena parte de las letras de los primeros discos. Jay Kay fue, en definitiva, el puente entre la sofisticación musical de la banda y el gran público, el elemento que transformó un proyecto de acid jazz en un fenómeno global.
La ópera prima: Emergency on Planet Earth
El debut de Jamiroquai llegó en plena explosión del acid jazz británico, movimiento que, como explicamos más arriba, recuperaba el legado de artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye y Roy Ayers, mezclándolo con grooves modernos y cultura club.
Pero desde el comienzo, Jay Kay dejó claro que no quería ser solo un cantante de funk elegante. Temas como When You Gonna Learn? y la propia Emergency on Planet Earth estaban atravesados por preocupaciones ecológicas, críticas al consumismo y una visión casi espiritual de la relación entre el ser humano y la naturaleza. En mi humilde opinión las letras de Jay Kay en esta época son un poco cursis e incluso un poco burdas, pero como en toda banda de jazz, su esencia está en la música.
Musicalmente, el álbum respiraba libertad. Había líneas de bajo profundas, secciones de vientos exuberantes y teclados que remitían tanto al jazz fusión como al soul clásico. El sonido era cálido, analógico y muy alejado del enfoque más electrónico que la banda adoptaría años después.
El arquitecto silencioso: Toby Smith
Si Jay Kay era la cara visible del proyecto, buena parte del ADN musical de aquellos años provenía de Toby Smith.
Tecladista, compositor y coautor de gran parte del material temprano, Smith fue fundamental para construir el universo sonoro de Jamiroquai. Su trabajo con teclados Rhodes, sintetizadores analógicos y arreglos armónicos aportó sofisticación a canciones que, de otro modo, podrían haber quedado limitadas al revival funk.
Muchas de las texturas espaciales que hoy asociamos con Jamiroquai nacieron de sus ideas. Incluso cuando el grupo todavía estaba profundamente conectado con el acid jazz, Smith ya introducía elementos de jazz-funk futurista que anticipaban la evolución posterior de la banda.
Su aporte fue tan decisivo que resulta difícil entender los primeros discos sin considerar su influencia. Si bien Jay Kay manejaba las riendas de la banda, sus limitaciones como músico instrumentista hicieron que se apoye bastante en sus compañeros a la hora de componer la estructura de las canciones, a menudo tarareando las partes de cada instrumento que luego sus colegas (sobre todo Smith y Zender) traducían en acordes y arreglos musicales.
Era el equilibrio perfecto para la personalidad expansiva de Jay Kay: menos visible, pero igual de importante.
El disco de transición: The Return of the Space Cowboy
Publicado apenas un año después del debut, The Return of the Space Cowboy suele ser considerado el álbum más subestimado de la discografía de Jamiroquai y muy posiblemente mi favorito.
Es también el más oscuro y experimental de su primera etapa. La fama comenzaba a crecer, la presión de la industria era mayor y eso se tradujo en un disco más introspectivo, con grooves extensos y atmósferas psicodélicas.
Canciones como Just Another Story o Light Years muestran a una banda que ya no se conformaba con reinterpretar influencias. Estaba desarrollando un lenguaje propio.
La producción es más compleja, los arreglos más arriesgados y el componente jazzístico adquiere un protagonismo central. Es el álbum donde Jamiroquai deja de ser una promesa del acid jazz para convertirse en algo difícil de clasificar.
Stuart Zender: El niño prodigio del bajo
En la primera columna de “The Watchman” hablamos de Morphine, una banda que basaba su estructura en el bajo en lugar de la guitarra eléctrica, con Zender en Jamiroquai sucede algo similar aunque con un estilo diferente.
Ingresó siendo un adolescente con apenas dos años de experiencia como bajista y terminó convirtiéndose en uno de los bajistas más admirados de su generación. Algo tremendamente destacable teniendo en cuenta que solo estuvo 6 años en la banda y le alcanzaron para quedar en la historia grande del Bajo eléctrico, un fuera se serie.
Su estilo está influenciado por el funk de Larry Graham y Bootsy Collins y el virtuosismo autodidacta de Jaco Pastorius, posiblemente su influencia más importante ya que siendo un novato en la música logró aprender todas las partes y arreglos del legendario bajista en el disco “Black Market”, el primero que grabo con la banda Weather Report, otra banda que recomiendo muchísimo.
Las líneas de bajo de Zender no acompañaban las canciones: las conducían. Temas como “Hooked Up”, “Whatever it is, I just can´t stop”, “Space Cowboy” y “Scam” se sostienen sobre grooves que siguen siendo estudiados por músicos de todo el mundo.
Párrafo aparte para su solo de bajo en “Travelling Whitout Moving” y el riff en “Deeper Underground” (su último trabajo con el grupo). Ambos realmente demenciales.
Su salida en 1998 marcó un antes y un después. Aunque Jamiroquai continuó teniendo éxito, muchos seguidores consideran que la química entre Zender, Smith y Jay Kay representó el punto más alto de creatividad colectiva dentro del proyecto y coincido.
Travelling Without Moving: la conquista del mundo.
En 1996 llegó el disco que cambiaría todo.
Travelling Without Moving convirtió a Jamiroquai en una banda global. El éxito de Virtual Insanity, impulsado por el célebre videoclip dirigido por Jonathan Glazer, transformó al grupo en un fenómeno internacional.
Sin embargo, reducir el álbum a ese sencillo sería injusto y además nuestro objetivo en esta columna es ir más profundo y no quedarnos en la punta del iceberg.
Canciones como “Cosmic Girl”, “Alright” y “High Times” muestran a una banda en estado de gracia. El funk sigue siendo el corazón de la propuesta, pero ahora convive con elementos de disco, pop y electrónica que amplían enormemente su alcance.
Es el disco donde confluyen todas las virtudes de la primera etapa: la visión melódica de Toby Smith, el bajo virtuoso de Stuart Zender y el carisma inagotable de Jay Kay.
Una estética entre el pasado y el futuro
Visualmente, aquellos primeros años también construyeron una identidad singular.
Mientras el britpop dominaba la cultura británica con referencias mod y guitarras tradicionales, Jamiroquai apostaba por otra dirección. Jay Kay aparecía con tocados indígenas, sombreros extravagantes, ropa inspirada en la cultura club combinado con su talento como bailarín de breakdance reflejaban la misma mixtura que musicalmente expresaban incorporando tanto un dj como un didgeridoo (instrumento de viento de los aborígenes australianos) en la banda.
Era una estética que dialogaba con los años setenta, pero que al mismo tiempo parecía venir del futuro.
Legado
Pocas bandas de este género han logrado la popularidad e influencia en la cultura pop que logró Jamiroquai, y si bien su historia posterior está llena de éxitos, giras mundiales y reinvenciones, hay algo especial en esos primeros tres discos que lograron destacarse en una década en la que la mirada de los jóvenes apuntaba más a la furia de bandas como Nirvana o guns and roses y a la expansión global del hip hop.
Porque antes de convertirse en una marca global, Jamiroquai fue una banda impulsada por la química de músicos excepcionales y una búsqueda artística genuina.
La combinación entre la visión compositiva de Toby Smith (RIP), el virtuosismo de Stuart Zender y el liderazgo y carisma de Jay Kay produjo una trilogía que sigue sonando fresca más de treinta años después.
